Biennale 2009

RIGO 23

Gauche, droite. Les peintures murales qu’a réalisées Rigo 23 sur les silos extérieurs de la Sucrière sont l’affirmation d’une évidence. à moins que l’on ne se retourne, auquel cas c’est l’inverse : une expérience minimum qui jette le trouble sur les valeurs toutes relatives de nos certitudes. Le choix des termes " droite " et " gauche " et l’ampleur générique qui se rattache à leur signification, aussi malléable qu’étendue, ne sont pas innocents : s’agit-il d’un mot d’ordre, d’une directive, d’un logo, ou d’un simple pléonasme ? Les oeuvres de Rigo 23, qui consistent essentiellement en des interventions dans la ville, ne nous imposent aucune décision ; à la manière d’un blanc dans la fabrication, elles marquent une pause poétique : gauche, droite, le sol, la lune, autant d’assertions anodines que chacun appréhendera à l’aune de sa propre expérience. L’artiste utilise selon les oeuvres des supports et des échelles différentes. Outre les peintures des silos, Rigo 23 expose à la Sucrière une cartographie de ce qu’un arpenteur tel que lui aurait pu imaginer de Lyon et propose d’autres oeuvres dans Lyon, place Charles-Béraudier entre la gare de la Part-Dieu et le centre commercial voisin, et à l’arrière de l’Entrepôt Bichat.

Shilpa GUPTA

Une grille ouvragée s’ouvre et se ferme sur 180 degrés selon un rythme pour le moins rapide. Elle vient buter le mur situé de part et d’autre de son parcours jusqu’à le détruire. Comme une métaphore de l’enfermement, l’oeuvre de Shilpa Gupta cherche par tous les moyens à briser ses liens pour se frayer coûte que coûte un passage à travers les murs à 360 degrés, soit deux fois sa capacité de mouvement normal. Un portail dont le mouvement incessant contraint le spectateur à se déplacer lui aussi s’il veut échapper à ses coups de boutoir. De l’ordre au chaos, de la logique à la dérision, de la sécurité au désordre, de l’enfermement à la liberté, les oeuvres de Shilpa Gupta portent un regard troublant sur les avancées technologiques de notre monde. D’origine indienne, l’artiste analyse aussi bien le flottement de la frontière de son pays sur une carte que les serpentins des files d’attente des grandes métropoles et sonde ainsi à travers ses oeuvres l’imaginaire et le désir humains.

Dan PERJOVSCHI

Dan PERJOVSCHI Après avoir exercé ses talents dans la presse roumaine de l’après-Ceausescu, Dan Perjovschi trace désormais ses petites images mordantes sur les murs des musées et des centres d’art : en quelques lignes et une poignée de mots, l’artiste pointe les grandes questions du monde avec la plus grande décontraction : partage des richesses, mondialisation, marché de l’art ou réchauffement climatique. D’un seul trait, il transforme un ensemble de gratte-ciel en un village surmonté d’un clocher ; d’un mot, il change le sens d’un même dessin. Perjovschi prend à témoin les contradictions des discours ambiants, les simplifications extrêmes des aléas du monde, de la complexité niée, et la plupart du temps ramenée à des couples binaires : blanc/noir, riche/ pauvre, correct/incorrect… Tableau noir, craie blanche : la fragilité des dessins de l’artiste ajoute à la volatilité naturelle du regard qu’il pose sur la société contemporaine.

Screen

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Adel ABDESSEMED

La vue d’un cortex, dessinée par l’artiste à main levée et réalisée en néon blanc, dont la taille est liée au mur qui l’accueille : l’oeuvre d’Adel Abdessemed est aussi frontale que son titre, qui signifie " de plein fouet ". à proximité, deux films de l’artiste sont diffusés. Dans " Trust Me ", un homme affublé de dents de vampire, face à un pupitre de musicien, semble pris de démence et avale la plupart des paroles de différents hymnes nationaux, de La Marseillaise à God Save the Queen. Dans " Hot Blood ", le même personnage, affublé cette fois d’un nez rouge, rit de manière hystérique et l’on ne distingue entre deux soubresauts qu’une seule phrase : I am a terrorist. Ces trois oeuvres se rejoignent dans l’idée que l’homme, dans sa grande liberté, est un être inconstant et rêveur, animal et humain, raisonnable et insensé, qui associe sans nuance la plus grande fragilité à la terreur, et le superficiel au tragique.

Quingyuan LIU & YAH Lab

Sur Wikipedia, l’expression " bling-bling " qualifie les accessoires flamboyants utilisés dans la culture hip hop. En chinois, " bling-bling " se traduit par " tempête brillante ", en référence aux produits luxueux qui exposent le goût et les valeurs de leurs propriétaires. Le projet de Liu Qingyuan, associé pour l’occasion avec le collectif YAH Lab, est une diversion ironique des modes de consommation du paysage urbain et se présente sous la forme d’une de ces rues commerçantes si communes en Chine. Généralement développées par les autorités locales, ces rues piétonnes sont conçues pour promouvoir la " prospérité commerciale " et sont envahies par les publicités et les possibilités de consommation. Long d’environ 20 mètres, le projet de Liu Qingyuan & YAH Lab présente d’un côté 60 enseignes lumineuses réalisées à partir de gravures sur bois. Avec espièglerie, ces enseignes ne donnent aucune indication de vente. De l’autre côté, des silhouettes imprimées en bois gravé accompagnées de bulles de BD sont à compléter par le visiteur : presque un ready-made du divertissement de masse.

Quingyuan LIU & YAH Lab

Sur Wikipedia, l’expression " bling-bling " qualifie les accessoires flamboyants utilisés dans la culture hip hop. En chinois, " bling-bling " se traduit par " tempête brillante ", en référence aux produits luxueux qui exposent le goût et les valeurs de leurs propriétaires. Le projet de Liu Qingyuan, associé pour l’occasion avec le collectif YAH Lab, est une diversion ironique des modes de consommation du paysage urbain et se présente sous la forme d’une de ces rues commerçantes si communes en Chine. Généralement développées par les autorités locales, ces rues piétonnes sont conçues pour promouvoir la " prospérité commerciale " et sont envahies par les publicités et les possibilités de consommation. Long d’environ 20 mètres, le projet de Liu Qingyuan & YAH Lab présente d’un côté 60 enseignes lumineuses réalisées à partir de gravures sur bois. Avec espièglerie, ces enseignes ne donnent aucune indication de vente. De l’autre côté, des silhouettes imprimées en bois gravé accompagnées de bulles de BD sont à compléter par le visiteur : presque un ready-made du divertissement de masse.

Quingyuan LIU & YAH Lab

Sur Wikipedia, l’expression " bling-bling " qualifie les accessoires flamboyants utilisés dans la culture hip hop. En chinois, " bling-bling " se traduit par " tempête brillante ", en référence aux produits luxueux qui exposent le goût et les valeurs de leurs propriétaires. Le projet de Liu Qingyuan, associé pour l’occasion avec le collectif YAH Lab, est une diversion ironique des modes de consommation du paysage urbain et se présente sous la forme d’une de ces rues commerçantes si communes en Chine. Généralement développées par les autorités locales, ces rues piétonnes sont conçues pour promouvoir la " prospérité commerciale " et sont envahies par les publicités et les possibilités de consommation. Long d’environ 20 mètres, le projet de Liu Qingyuan & YAH Lab présente d’un côté 60 enseignes lumineuses réalisées à partir de gravures sur bois. Avec espièglerie, ces enseignes ne donnent aucune indication de vente. De l’autre côté, des silhouettes imprimées en bois gravé accompagnées de bulles de BD sont à compléter par le visiteur : presque un ready-made du divertissement de masse.

Quingyuan LIU & YAH Lab

Sur Wikipedia, l’expression " bling-bling " qualifie les accessoires flamboyants utilisés dans la culture hip hop. En chinois, " bling-bling " se traduit par " tempête brillante ", en référence aux produits luxueux qui exposent le goût et les valeurs de leurs propriétaires. Le projet de Liu Qingyuan, associé pour l’occasion avec le collectif YAH Lab, est une diversion ironique des modes de consommation du paysage urbain et se présente sous la forme d’une de ces rues commerçantes si communes en Chine. Généralement développées par les autorités locales, ces rues piétonnes sont conçues pour promouvoir la " prospérité commerciale " et sont envahies par les publicités et les possibilités de consommation. Long d’environ 20 mètres, le projet de Liu Qingyuan & YAH Lab présente d’un côté 60 enseignes lumineuses réalisées à partir de gravures sur bois. Avec espièglerie, ces enseignes ne donnent aucune indication de vente. De l’autre côté, des silhouettes imprimées en bois gravé accompagnées de bulles de BD sont à compléter par le visiteur : presque un ready-made du divertissement de masse.

Barry McGEE

Des structures en bois, des camionnettes, des graffitis, des sculptures taguées et des couleurs qui débordent dans des motifs à la fois décoratifs et hard-edge : l’oeuvre de Barry McGee explose naturellement au visage du spectateur. Barry McGee est l’une des personnalités qui a su le mieux concilier une pratique du graff et de l’art urbain avec une véritable maîtrise des matériaux et une technicité d’ingénieur. Son oeuvre, délibérément ouverte à la culture de la rue, incarne une zone tampon entre l’art érudit et l’art dit " populaire ", un domaine des possibles qui fait fi des directives et injonctions urbaines propres à la vie des grandes métropoles.

Barry McGEE

Des structures en bois, des camionnettes, des graffitis, des sculptures taguées et des couleurs qui débordent dans des motifs à la fois décoratifs et hard-edge : l’oeuvre de Barry McGee explose naturellement au visage du spectateur. Barry McGee est l’une des personnalités qui a su le mieux concilier une pratique du graff et de l’art urbain avec une véritable maîtrise des matériaux et une technicité d’ingénieur. Son oeuvre, délibérément ouverte à la culture de la rue, incarne une zone tampon entre l’art érudit et l’art dit " populaire ", un domaine des possibles qui fait fi des directives et injonctions urbaines propres à la vie des grandes métropoles.

Pedro REYES

Texte en français plus bas Pedro Reyes concern is with environmental issues and social interaction in public spaces. His work for the Biennale is the fruit of lengthy research: the perfectly aligned garden shovels making up Palas Por Pistolas ("Pistols into Spades") are the outcome of a programme launched by the Mexican government – at the instigation of the artist – for "handing in" illegal weapons so as to stamp them out or at least limit their use. Reyes melted down the metal of 1 527 weapons, which was then used to make shovels for planting trees, with the help of community associations, everywhere the work goes on show. Thus an educational arboretum comprising some twenty different varieties of trees will be planted in October-November at the Hospital for Mothers and Babies in Bron, next-door to Lyon. A film of the action will be shown at the Biennale and in all subsequent exhibition venues. ----------------------------------------------- Pedro Reyes s’intéresse aux préoccupations environnementales et aux interactions sociales dans l’espace public. L’oeuvre qu’il présente à la Biennale est le fruit de longues recherches : les pelles de jardin parfaitement alignées qui constituent " Des pistolets contre des pelles " proviennent des suites d’un programme lancé à l’initiative de l’artiste par le gouvernement mexicain, consistant à " déposer " les armes en circulation illégale pour éradiquer, ou tout au moins limiter leur usage. L’artiste a ainsi fondu le métal provenant de 1527 armes pour réaliser autant de pelles qui servent ensuite à planter des arbres partout où l’oeuvre est exposée, grâce au concours de différentes associations. Sur ce principe, un arboretum à vocation pédagogique et composé d’une vingtaine d’arbres d’essences différentes sera planté le 6 novembre à l’hôpital mère-enfant de Bron. Cette action sera ensuite filmée et montrée à la Biennale et dans tous les lieux où l’oeuvre sera pa

Pedro REYES

Texte en français plus bas Pedro Reyes concern is with environmental issues and social interaction in public spaces. His work for the Biennale is the fruit of lengthy research: the perfectly aligned garden shovels making up Palas Por Pistolas ("Pistols into Spades") are the outcome of a programme launched by the Mexican government – at the instigation of the artist – for "handing in" illegal weapons so as to stamp them out or at least limit their use. Reyes melted down the metal of 1 527 weapons, which was then used to make shovels for planting trees, with the help of community associations, everywhere the work goes on show. Thus an educational arboretum comprising some twenty different varieties of trees will be planted in October-November at the Hospital for Mothers and Babies in Bron, next-door to Lyon. A film of the action will be shown at the Biennale and in all subsequent exhibition venues. ----------------------------------------------- Pedro Reyes s’intéresse aux préoccupations environnementales et aux interactions sociales dans l’espace public. L’oeuvre qu’il présente à la Biennale est le fruit de longues recherches : les pelles de jardin parfaitement alignées qui constituent " Des pistolets contre des pelles " proviennent des suites d’un programme lancé à l’initiative de l’artiste par le gouvernement mexicain, consistant à " déposer " les armes en circulation illégale pour éradiquer, ou tout au moins limiter leur usage. L’artiste a ainsi fondu le métal provenant de 1527 armes pour réaliser autant de pelles qui servent ensuite à planter des arbres partout où l’oeuvre est exposée, grâce au concours de différentes associations. Sur ce principe, un arboretum à vocation pédagogique et composé d’une vingtaine d’arbres d’essences différentes sera planté le 6 novembre à l’hôpital mère-enfant de Bron. Cette action sera ensuite filmée et montrée à la Biennale et dans tous les lieux où l’oeuvre sera pa

Pedro REYES

Texte en français plus bas Pedro Reyes concern is with environmental issues and social interaction in public spaces. His work for the Biennale is the fruit of lengthy research: the perfectly aligned garden shovels making up Palas Por Pistolas ("Pistols into Spades") are the outcome of a programme launched by the Mexican government – at the instigation of the artist – for "handing in" illegal weapons so as to stamp them out or at least limit their use. Reyes melted down the metal of 1 527 weapons, which was then used to make shovels for planting trees, with the help of community associations, everywhere the work goes on show. Thus an educational arboretum comprising some twenty different varieties of trees will be planted in October-November at the Hospital for Mothers and Babies in Bron, next-door to Lyon. A film of the action will be shown at the Biennale and in all subsequent exhibition venues. ----------------------------------------------- Pedro Reyes s’intéresse aux préoccupations environnementales et aux interactions sociales dans l’espace public. L’oeuvre qu’il présente à la Biennale est le fruit de longues recherches : les pelles de jardin parfaitement alignées qui constituent " Des pistolets contre des pelles " proviennent des suites d’un programme lancé à l’initiative de l’artiste par le gouvernement mexicain, consistant à " déposer " les armes en circulation illégale pour éradiquer, ou tout au moins limiter leur usage. L’artiste a ainsi fondu le métal provenant de 1527 armes pour réaliser autant de pelles qui servent ensuite à planter des arbres partout où l’oeuvre est exposée, grâce au concours de différentes associations. Sur ce principe, un arboretum à vocation pédagogique et composé d’une vingtaine d’arbres d’essences différentes sera planté le 6 novembre à l’hôpital mère-enfant de Bron. Cette action sera ensuite filmée et montrée à la Biennale et dans tous les lieux où l’oeuvre sera pa

Carlos MOTTA

Des graffitis découpés dans le noir, des lettres qui surgissent de la lumière : l’oeuvre de Carlos Motta créée pour la Biennale présente des slogans politiques écrits à même les murs en lettres de feu. En relation avec une autre oeuvre de Motta exposée en parallèle au MACLyon, qui suggère de nouvelles manières de revivre les grands événements du monde, " Untitled (Graffiti Cuts) " porte un regard inattendu et circonstancié sur les cris de rage qui couvrent les murs de nos villes. En les extrayant de leur contexte pour les placer sur les murs d’un musée, Carlos Motta utilise des stratégies de documentation et d’archives qui permettent à ces graffitis, auxquels on ne jette d’habitude qu’un regard distrait ou désabusé, de prendre une force nouvelle.

Eulàlia VALLDOSERA

Un théâtre d’ombres, des landaus qui projettent des ombres immenses sur les murs, des gobelets remplis d’un liquide rouge qui évoque aussi bien le vin que le sang, la théâtralisation concrète de torchons pris dans le flux lumineux d’un projecteur vide de toute image… L’art dramatique d’Eulalia Valldosera suggère une constellation de moments centrés sur le corps, l’intimité domestique et les objets du quotidien. Les archétypes féminins ont une place centrale dans son oeuvre, qui dissèque et interroge l’environnement familial, la maternité, les fluides corporels ou le regard masculin. Le nom même des oeuvres (" La Cuisine ", " Les Périodes ", " Le Lampadaire ", " Dépendances ") emprunte à l’idée de scène où se joue l’avenir du monde. Les actions que peuvent réaliser les spectateurs (en modifiant l’ordre des torchons ou en poussant sur ses rails le landau-projecteur) sont autant de scénarios possibles qui échappent au contrôle de l’artiste et à la protection des oeuvres dont l’institution qui les accueille a la charge.

Eulàlia VALLDOSERA

Un théâtre d’ombres, des landaus qui projettent des ombres immenses sur les murs, des gobelets remplis d’un liquide rouge qui évoque aussi bien le vin que le sang, la théâtralisation concrète de torchons pris dans le flux lumineux d’un projecteur vide de toute image… L’art dramatique d’Eulalia Valldosera suggère une constellation de moments centrés sur le corps, l’intimité domestique et les objets du quotidien. Les archétypes féminins ont une place centrale dans son oeuvre, qui dissèque et interroge l’environnement familial, la maternité, les fluides corporels ou le regard masculin. Le nom même des oeuvres (" La Cuisine ", " Les Périodes ", " Le Lampadaire ", " Dépendances ") emprunte à l’idée de scène où se joue l’avenir du monde. Les actions que peuvent réaliser les spectateurs (en modifiant l’ordre des torchons ou en poussant sur ses rails le landau-projecteur) sont autant de scénarios possibles qui échappent au contrôle de l’artiste et à la protection des oeuvres dont l’institution qui les accueille a la charge.

Agnès VARDA

Agnès Varda est, selon ses propres termes, " vieille cinéaste et jeune plasticienne ". Harrisson Ford et Jacques Demy, Chris Marker et Jim Morrisson, Sandrine Bonnaire et Jane Birkin ont traversé cette oeuvre gigantesque qui sait aussi bien se faire le témoin de son époque (féminisme, pauvreté) que de jouer du collage et du calembour. Après avoir passé sa vie à raconter, avec bienveillance, celle des autres, Agnès Varda expose depuis quelques années son oeuvre sous forme d’installations. Elle a conçu ses " Cabanes " comme de véritables refuges à la fois pour les visiteurs et pour elle-même. " La Cabane de plage " est pensée comme une cabine de pêcheurs dont les toiles sont tendues par des cordages, et comme une cabine de projection pour son oeuvre : " La Mer Méditerranée, avec deux r et un n, entre Sète et Adge "." La Cabane aux portraits " abrite soixante portraits : trente femmes face à trente hommes photographiés à Noirmoutier sur leurs lieux de travail et de vie. " La Cabane de cinéma ", enfin, est entièrement construite avec des pellicules 35 mm d’un film. " C’est du cinéma puisque la lumière est retenue par des images. C’est une cabane puisqu’on peut s’y abriter en rêvant aux films qui nous ont plu ", nous dit Agnès Varda. " On aperçoit même Deneuve et Piccoli en tout petit visages gros plans… ".

Wangechi MUTU

L’oeuvre que Wangechi Mutu réalisée pour la Biennale se développe sur toute la largeur de la Sucrière et se compose de deux parties : la première est un rideau de scène qui vient protéger la seconde partie de l’oeuvre. Cette dernière est composée d’un ensemble de tuyaux d’arrosage qui serpentent au sol et d’ampoules accrochées à différentes hauteurs. Certains bulbes frôlent un sol détrempé par l’eau qui s’écoule de tuyaux bouchés par des talons aiguilles. Pompée dans la Saône voisine et acheminée par un système électrique primitif dans une bassine, l’eau crée un cycle constant – en quelque sorte un courant continu de sa source à son évaporation. D’une perversité qui n’a d’égales que sa grande élégance et sa part de glamour, l’oeuvre de Mutu évoque le danger immédiat que pourrait provoquer, entre l’espace ouvert et le rideau qui le masque, la rencontre amoureuse de l’eau et de l’électricité, du symbole féminin du talon haut et de la nudité des fils électriques.